Na nossa terceira conversa com Ramir Martínez, produtor e engenheiro de som e professor de Som, Produção de Música Eletrónica e Live Performance na Microfusa, tivemos a oportunidade de descobrir como os diferentes estilos de música popular evoluíram nos últimos anos

  Mais de 25 anos de experiência no corpo docente da Microfusa, uma intensa carreira artística à frente de diversas bandas de pop e rock eletrónico e o seu trabalho como produtor e engenheiro de som para grupos como Facto Delafé y Las Flores Azules ou Mishima e remixer de Love Of Lesbian fazem de Ramir a pessoa ideal para analisar como os diferentes aspetos da música popular evoluíram nos últimos anos. Com ele falámos sobre como a Internet foi o gatilho que definiu as novas formas de distribuição ou como o computador portátil ou o fenómeno dos bed producers revolucionaram os meios de produção. Hoje, um pouco como conclusão, Ramir conta-nos como todas estas mudanças influenciaram os diferentes estilos de música popular, fazendo-os evoluir.  

Está tudo relacionado, não é?

Exatamente. Se observarmos as diferenças entre a música do século XXI e a do século XX, percebemos que dependem de tudo o que falámos anteriormente: a distribuição, a produção... de como a música é feita e como é distribuída.  

E as chaves?

Ao longo do século XX, quando se queria ser artista existiam uma série de agentes intermediários e umas necessidades tecnológicas materiais concretas para o poder levar a cabo. Além disso, a conceção musical estava basicamente concentrada no grupo como conjunto de músicos e compositores. Bem, sempre existiram solistas relevantes, mas se analisarmos a música popular desde a década de 50 veremos que esses solistas costumavam ser acompanhados por um grupo ou uma banda para fazer a música ao vivo. Temos muitos exemplos: nos anos 50, Bill Haley and The Comets, Buddy Holly, Little Richard ou Elvis que, em suma, era apenas um intérprete sempre acompanhado por um grupo; nos anos 60, destacam-se os Beatles, os Rolling Stones, os Who, depois vem a época da Califórnia, grupos como os Credence, a época hippie; nos anos 70, o hard rock e depois o blues rock,... sempre tendências baseadas em grupos. Houve exceções como Bob Dylan, Leonard Cohen, mas a música popular do século XX foi sempre maioritariamente comunitária. Durante as décadas de 80 e 90, a mesma dinâmica continua. Nos anos 80, destaca-se o punk com grupos como Sex Pistols, The Clash, The Dammed. Depois, com o techno-pop, a coisa muda um pouco, mas também não encontramos solistas, apenas duos. Durante esses anos podemos recordar artistas como Bruce Springsteen, mas inseparável da sua E-Street Band que eram quem lhe fazia os arranjos. Ou solistas como Madonna ou Prince que sempre eram acompanhados por grupos que lhes faziam a música. Embora seja verdade que os anos 80 marcaram um ponto de viragem com um grande número de solistas provenientes da década anterior: Eric Clapton, Phil Collins, Tina Turner, etc. Para depois voltar aos anos 90 com um punhado de artistas que se baseiam no combo. Encontramos muitos exemplos que vão do brit-pop (Oasis, Blur) ao grunge (Nirvana, Pearl Jam). No entanto, é nos anos 90 que surge o conceito de artista individualista com os DJs, indivíduos sozinhos e autossuficientes. Embora, na realidade, muitos dos grandes lançamentos de eletrónica da época sejam criados por grupos de dois, três ou mais criadores (Prodigy, Massive Attack). O mesmo acontece com a música pop ou o hardcore, mantendo a tendência de grupo.  

Como é que a mudança realmente acontece então?

É a partir da primeira década deste século que a tendência autenticamente solista começa a cristalizar. Embora, por um lado, o indie continue a basear-se no grupo, na eletrónica e na música popular o solista é cada vez mais solista. E esta evolução deve-se a dois motivos: por um lado, o tema da produção, a possibilidade de se poder distribuir um ficheiro pela Internet, sem necessidade de suporte físico. Por outro lado, a versatilidade dos computadores como sistemas para criar música. Um artista pode criar as suas maquetas em casa com um equipamento muito reduzido. Durante a segunda década deste século, o fenómeno dos bed producers, paradigma da música eletrónica individualista, estende-se a outros coletivos da música popular. Assim, outros estilos, como a música urbana por exemplo, começam a focar-se sobretudo no solista e temos artistas como Maluma, J Balvin, Rosalía; e no mundo anglo, Billy Ellish, Ariana Grande e outros. De facto, se pensarmos em grupos de relevância, pertencem a décadas anteriores que ainda estão em atividade e o grosso das propostas está a deslocar-se para a proposta individual. Embora isso não signifique que, pelo facto de um artista apresentar a sua imagem ao público, não signifique que esteja sozinho/a. Existe uma equipa por trás, mas a notoriedade não é repartida. Em suma, poderíamos dizer que, ao longo dos anos, temos visto que, devido às novas tecnologias, passámos de um conceito coletivo de fazer música para um conceito individualista. E, além disso, é um sistema que se retroalimenta. Vemos na Internet artistas a solo a cantar e a fazer a sua coreografia, essa imagem é reforçada e a nossa identidade procurará apenas essa proposta artística.  

Mas estamos a falar a nível global?

Certo, esta seria uma perspetiva a nível global. A nível local as coisas não são exatamente assim. Por exemplo, aqui na Catalunha, podemos observar uma tendência de grupos muito potente com propostas muito interessantes.  

E a música, a nível de forma, como tem evoluído?

A música são ritmos, são acordes... E na música popular acontece regularmente que surge uma nova tendência que utiliza recursos estilísticos mais simples e acessíveis. Esta simplicidade faz com que esta nova tendência conecte muito mais facilmente com as pessoas mais jovens e seja replicada rapidamente. O exemplo destes últimos anos estamos a vivê-lo com o reggaetón. O seu ritmo é simples, é cativante, fácil de dançar e de copiar. Mas é algo que já aconteceu em décadas anteriores com o rock, o techno ou o punk. Todos eram estilos cujos temas iniciais eram muito parecidos. Em parte porque os ritmos eram semelhantes e porque simplificaram a harmonia. Se pegarmos numa canção entre os anos 60 e 90, esta geralmente tem uma estrutura bem definida: verso e refrão, ou refrão e estrofe… Qualquer tema dos Beatles, por exemplo, costumava ter sempre duas partes bem definidas. Por outro lado, as produções atuais fazem algo totalmente inovador, fundindo a estrutura tradicional da canção com as estruturas sem acordes da música eletrónica e encontramos temas que têm constantemente a mesma progressão de acordes. Procura-se a simplificação ao máximo da harmonia, da estrofe e do refrão, com as mesmas notas e os mesmos acordes. Mas esta tendência para simplificar sempre existiu entre os artistas mais jovens. Artistas que fazem tudo mais simples e que querem ir direto ao ponto. Assim nasceu o punk simplificando, chegou a eletrónica e simplificou ou temos o indie que foi simplificado pela música urbana. A questão é que, em geral, dois conceitos que vieram para ficar confluíram: por um lado, a “democratização” da música. Agora, muito mais pessoas têm a possibilidade de criar e distribuir a sua própria música do que há uns anos. E, por outro lado, a simplificação das formas musicais. São dois conceitos relacionados que se retroalimentam, já estão connosco há dez anos e, por enquanto, não mudaram e parece que vieram para ficar. Ou seja, em resumo, o facto de ser tão simples é amplificado por novos meios de produção e distribuição que tornam a criação musical acessível a muito mais pessoas. Além disso, esta situação que vivemos atualmente, com confinamentos, ainda propicia mais a tendência do individualismo musical. Sim, vimos iniciativas de colaborações à distância, mas a autêntica tendência geral é a do criador solitário… É um sinal de como será o século XXI a nível musical.

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